Con el firme objetivo de promover los valores artísticos, fomentar el arte, compartir, aprender, convivir, adquirir conocimientos y  habilidades en la comunidad estudiantil de la Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo (FADU) de la Universidad Autónoma de Tamaulipas (UAT), dio inició el quinto concurso de murales “Artificios”.

En esta ocasión el tema elegido para el concurso es sobre, la igualdad de género, por lo que en sus obras los alumnos buscan retratar que, tanto  mujeres como hombres en sus distintos aspectos, tengan los mismos derechos, recursos y oportunidades independientemente de su identidad de género y sean tratadas (os) con el mismo respeto en todos los aspectos de la vida cotidiana: trabajo, salud, educación y vida personal.

Es importante señalar que para esta ocasión los equipos  se dividieron  en dos Categorías: Junior que consta con una superficie de trabajo 3 metros de base por 1 metro de altura, y al categoría Senior con una superficie de trabajo de 5 metros de base por 2.50 metros de altura, en la cuales habrán de plasmar toda su creatividad y habilidad, que serán calificadas y premiadas el próximo 27 de marzo.

El Dr. Gildardo Herrera Sánchez, Director FADU  expresó que las propuestas recibidas de los murales, son muy interesantes y reflejan un mensaje positivo integrado con los valores que fomenta la Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo, así como la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

“Diseña tu Futuro… Construye tu Legado”.

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La entrada Inicia el quinto Concurso de Murales “Artificios” se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

La Catrina Garbancera fue creada originalmente por el caricaturista mexicano José Guadalupe Posada en el año de 1910 y surgió como una burla a los indígenas vendedores de garbanzo, que siendo pobres aparentaban ser ricos y menospreciaban sus orígenes y costumbres.

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Esta ilustración apareció por primera vez en una hoja volante, donde se daban las noticias del día. Su vestimenta era característica por el sombrero estilo francés que utilizaban, Posada afirmaba: “En los huesos, pero con sombrero francés con plumas de avestruz”. 

Con el tiempo la Catrina Garbancera logró influenciar a diversos artistas como Diego Rivera, quien en el año 1947 le dio una vestimenta elegante y completa en su obra “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”.

Por esta obra, fue rebautizada como “Catrina”. En la pintura se observan temas de la Historia de México, como la Conquista, Independencia y Revolución. En la imagen central del mural se encuentra Diego Rivera de niño y José Guadalupe Posada siendo tomados por la Catrina.

Hoy en día, la Catrina forma parte de la cultura popular de México adornada con hermosos sombreros y flores, se ha convertido en el símbolo de la celebración del Día de Muertos y una fuente de inspiración para muchos, tanto dentro como fuera de México.

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La entrada La Catrina Garbancera tiene más de 100 años de historia se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

El retablo de la Independencia de México, es un fresco sobre muro directo del pintor y arquitecto mexicano Juan O’Gorman, pintado del año 1960 al 1961.

En 1957, el entonces director del Museo Nacional de Historia, Antonio Arriaga, pensó que una forma eficaz de difundir la historia de México, era a través del muralismo y decidió comenzar un proyecto que reflejara la historia de la Independencia mexicana. La idea de realizar esta pintura de grandes dimensiones, se debe a la carencia de documentos y obras relativas a la época de la Independencia, ya que los insurgentes fueron muy perseguidos y lo caótico de la situación causó la pérdida de muchos elementos históricos.

La responsabilidad del mural recayó sobre Diego Rivera, quien diseñó el lugar donde se pintaría. Auxiliado por su hija Ruth, el maestro se dedicó a recopilar retratos y dibujos de los personajes que representaría en el mural. Por desgracia, el artista enfermó y murió antes de arrancar la labor pictórica.

Juan O’Gorman retomó el proyecto y rehízo la investigación iconográfica desde su propia iniciativa. El mural abarca temas históricos de 1784 a 1814 y está dividido en cuatro diferentes etapas de la lucha por la Independencia.

En una época donde los medios de comunicación superaron las formas narrativas de la pintura mural, debían incorporarse dentro de la pintura, elementos fáciles de identificar. En una superficie cóncava, O’Gorman realizó una secuencia descriptiva que va de izquierda a derecha. Desde una perspectiva paisajística, se marca el ambiente de cada época: las montañas, los campos, la Alhóndiga de Granaditas, otras construcciones de Guanajuato y las playas de Guerrero. Al centro, aparece la figura de Hidalgo, aludiendo al Grito de Dolores con el estandarte de la Virgen de Guadalupe, adoptada como patrona del Ejército Insurgente.

En palabras del pintor, el extremo izquierdo del muro representa el periodo colonial, previo a la insurrección independentista. Muestra las contrastantes condiciones de vida entre el pueblo y sus gobernantes, representa también la decadencia total de los peninsulares y de las clases acomodadas, así como la explotación del pueblo que vivía en la miseria, situación que predominaba a finales del siglo XVIII. También aparecen los personajes que contribuyeron ideológicamente a la gesta independentista y destacan los rostros de cada uno de los protagonistas. En esta sección aparecen bajo la bandera española tres figuras importantes de la clase dirigente: el escritor y político Lucas Alamán, el general Félix María Calleja y el obispo Manuel Abad y Queipo; junto a ellos puede observarse un grupo de aristócratas ibéricos con dos personajes reconocibles: el conde de Moctezuma y el virrey de Iturrigaray, llamado Virrey Bandido por los insurgentes. Leona Vicario, , Matamoros, Galeana y los congresistas de Apatzingán también están presentes. O’Gorman quiso enfatizar la presencia de fray Servando Teresa de Mier y de Alejandro Von Humboldt.

En la parte superior de esta misma sección se observa una hacienda de beneficio que representa el sustento económico del país, la agricultura y la minería. Junto a la hacienda está pintado un pequeño pueblo, asiento de una desamparada población trabajadora. El hombre montado sobre un caballo blanco es un capataz, es decir, la persona que se dedicaba a vigilar y maltratar a los indígenas, y a quien el autor pinta con cara de demente pues considera que sólo un enfermo podía cumplir con ese encargo. Detrás de él, en los patios de una hacienda, unos peones trituran el metal extraído de las minas. Esta primera sección ilustra, a grandes rasgos, algunos aspectos del México de finales de la Colonia.

La segunda etapa de la narración histórica de este mural incluye a algunos precursores ideológicos y políticos situados bajo un edificio de construcción neoclásica que simboliza la Revolución Francesa y el Enciclopedismo. Ahí se representa la cultura y el avance científico y filosófico de la época. Esta construcción se ve coronada por algunas torres y cúpulas de iglesias; de esta manera se ilustra el doble carácter ideológico de estos pensadores: por un lado, hombres de ciencia e ilustrados y, por el otro, cristianos, algunos de ellos sacerdotes. La religión católica desempeñó un papel muy importante en la guerra de Independencia como vínculo fundamental entre el pueblo mexicano; esto explica el hecho de que muchos de los dirigentes de esta lucha hayan sido sacerdotes.

Las figuras que sobresalen en esta sección son algunos escritores de la época, algunos científicos naturalistas y un amplio grupo de sacerdotes liberales; aparece también el licenciado Francisco Primo de Verdad, alcalde de la ciudad, vestido con una casaca azul, que muestra con sus manos las condiciones de miseria del pueblo; también puede verse al señor Ramón Arizpe, quien está vestido como impresor y lleva unos lentes en la frente; él estuvo encargado de imprimir la propaganda insurgente en sus inicios. El edificio ubicado en el costado derecho de la gran construcción neoclásica es la Alhóndiga de Granaditas y, justo atrás, se observa el pueblo de Guanajuato y la iglesia de Dolores Hidalgo, donde fungía como párroco el exrector de la Universidad de Valladolid, don Miguel Hidalgo y Costilla. Esta sección ilustra de manera general los lugares, los personajes y los pensamientos que anteceden y sustentaron la guerra de Independencia.

La tercera etapa está referida al movimiento propiamente dicho. La figura principal en esta área es el cura Hidalgo, el cual aparece dos veces: una como se le conoce comúnmente y la otra más joven y en traje de campaña, portando el estandarte de la Virgen de Guadalupe. El Hidalgo que lleva en su mano la antorcha como símbolo de libertad, también sostiene el decreto de Guadalajara, importante documento en el que este luchador proponía la abolición de la esclavitud y el reparto justo de la tierra. Aparecen también varios de los personajes que tomaron parte activa en la guerra de Independencia, mezclados con el pueblo mexicano, que se representa con figuras que abarcan todos los tipos y castas existentes entonces. Así se da a entender que fue todo el pueblo quien participó contra la opresión española.

O’ Gorman declaró a la Revista Tiempo lo siguiente:

Representé a Hidalgo abriendo las puertas de la Independencia para México, inspirándome en la magnífica historia sobre la Independencia de Lucas Alamán. Hay dos Hidalgos con las manos cruzadas porque hay dos aspectos importantes del padre de nuestra Patria. El primero es el que conoce todo el pueblo: el sacerdote de pelo cano, con la casaca negra. El segundo, el Zorro, el intelectual, culto, humanista, revolucionario, conocedor de las teorías de Baboeuf y Diderot. El cúmulo de personajes dan la impresión de ir a la feria y no a la guerra. Esto significa para México su independencia.

En esta sección aparecen algunas banderas de la época: la de Aculco, que está pintada dos veces para mostrar el anverso y el reverso; el Doliente de Hidalgo, y un estandarte con la Virgen de Guadalupe en señal de adopción como patrona del Ejército Insurgente, que jugó un papel muy importante como aglutinador de intereses comunes.

En el mural también se observan escenas cristológicas: la crucifixión de un desposeído o un hombre atado a una columna y pueden leerse frases religiosas. Vemos al indígena, con todo el drama de su explotación, representado por O’Gorman como un vía crucis que inicia con la agonía del hombre en la columna y continúa mostrando la miseria y la tristeza del pueblo que entierra al hijo que no puede crecer, en presencia de una mujer que de niña pasa a anciana sin haber vivido su juventud, y culmina con el hombre crucificado por la explotación, la injusticia y la represión.

El desenlace del mural está representado por el Congreso de Chilpancingo, donde figura José María Morelos con el documento Sentimientos de la Nación. Morelos está retratado ahí dos veces: una en traje de campaña, semejante a la vestimenta de los chinacos y otra vestido como general; la única vez que vistió así fue para asistir al Congreso Constituyente. En esta sección aparecen algunos de los personajes más distinguidos, tanto política como militarmente, de esa fase del movimiento; entre ellos Guadalupe Victoria, primer presidente de la República independiente. Los congresistas constituyentes se encuentran sentados; sólo tres son retratos fieles, el resto son invenciones del autor a causa de la inexistencia de material iconográfico. Estas figuras portan extractos del manifiesto de Morelos, Sentimientos de la Nación.

Al fondo, se ve un pueblo en llamas que ejemplifica una de las múltiples batallas que tuvieron lugar en el país. Hasta el fondo se observa el puerto de Acapulco con el Fuerte de San Diego, un sitio estratégico en su momento. El pendón de la derecha tiene una leyenda que dice: Con los ojos y las garras se llega a la victoria. Debajo de éste se observa montado a caballo a Vicente Guerrero, consumador de la Independencia. El paisaje pretende abarcar todas las zonas del país y los tipos geográficos, desde las altas cordilleras hasta las costas, para señalar que la lucha de independencia se generalizó a todo el territorio. Finalmente, la luna del costado izquierdo y el día que nace en el derecho dan la idea de que el mural abarca un día simbólico en el que México pasó de la oscuridad de la dominación española a la luz de su autonomía.

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La entrada El mural Retablo de la Independencia de México se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

El Día Mundial del Modernismo se celebra cada 10 de junio desde 2013 por iniciativa de Hungría.

Modernismo es el término con el que designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX durante el periodo denominado fin de siécle y belle époque.

Alrededor de este día se realizan muchas actividades complementarias como exposiciones, ferias, rutas, conferencias, publicaciones que, año tras año, ponen en valor esta corriente artística.

La fecha se eligió en recuerdo de Antonio Gaudí, quien falleció el diez de junio de 1926 y de Ödön Lechner, quien murió el 10 de junio de 1914.

Fuente:
Wikipedia

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Se trata de una intervención artística llamada “Macromural de Pachuca” o Macromural “Pachuca se pinta”, realizado entre 2014 y 2018, ubicado en Pachuca, Hidalgo, creado por el colectivo Germen Crew.

Con una inversión de más de 10 millones de pesos, 190 colores en las fachadas y una participación directa de 1,800 habitantes de la zona. El mural, es una iniciativa para disminuir los índices de violencia a través de la transformación del entorno.

Este macromural se convirtió en el más grande del mundo, al superar el Pueblo Levee Mural en Arkansas, certificado por el Libro de Récords Guinness como la pintura más larga del mundo con 16 mil 554.80 metros cuadrados.

Consta de 3 etapas:

En la primera etapa, se pintó en una superficie de 20,000 m2, en doscientas nueve casas.

En la segunda etapa se pintó en una superficie de 12,000 m2 en trescientas casas.

En la tercera etapa se pintó en una superficie de 8,000 m2, en ciento cincuenta casas.

Se pintó bajo la técnica de grafiti, la elaboración duró quince meses contando con la colaboración de la empresa de pinturas COMEX.

El colectivo pintó primero de blanco toda la colonia. Luego se aplicó la distribución del color, después de agregaron detalles únicos que solo se podrán apreciar al adentrarse a las calles y callejones del barrio.

De acuerdo con la Secretaría de Planeación y Evaluación del Ayuntamiento de Pachuca, la incidencia delictiva disminuyó durante el desarrollo del mural. De acuerdo con sus estadísticas de 56 accidentes registrados en 2012, se pasó a 44 en 2013, 34 en 2014 y solo 12 en el periodo enero-junio de 2015; en tanto que los robos o asaltos pasaron de 42 a 38, a 31 y a 11, respectivamente para cada año mencionado.

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La entrada La intervención artística “Macromural de Pachuca” es considerado el mural más grande del mundo. se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Ubicada en el sur de la Ciudad de México, el inmueble fue creado como museo por decreto presidencial en 1981 dedicado a preservar la memoria del muralista y su esposa; así como al estudio y análisis de su generación artística.

Diseñada en 1931 por el arquitecto y artista mexicano Juan O’Gorman y considerada una de las primeras construcciones funcionalistas de Latinoamérica. 

Se trata de dos bloques de hormigón liso que albergan cada uno una casa, una roja con blanco (el pintor) y otra azul (para la artista), independientes una de la otra y unidas solamente por un pequeño puente en su parte superior.

El 16 de diciembre de 1986 abrió sus puertas al público como Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo-INBA, en el marco de las celebraciones por el centenario del natalicio de Diego Rivera.

Entonces quedó definida su vocación cultural en las tareas de preservación, conservación, investigación y exhibición de la vida y obra de Kahlo, Rivera y O’Gorman, así como también del arte contemporáneo.

El INBA, consciente del valor patrimonial y artístico de las casas gemelas. Fue restaurada entre julio y diciembre de 1995. El museo fue reinaugurado por el presidente Ernesto Zedillo Ponce de León el 28 de febrero de 1997 y los inmuebles fueron declarados Patrimonio Artístico de la Nación el 25 de marzo del año siguiente.

El acervo del Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo lo constituyen las casas gemelas, hoy el más importante ejemplo existente de la arquitectura funcionalista que, desarrollada por Le Corbusier, fue asimilada y aplicada por O’Gorman en México.

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La entrada La Casa Estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo: Patrimonio Artístico de la Nación se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

La Catrina, originalmente llamada La Calavera Garbancera, es una figura creada por José Guadalupe Posada y bautizada por el muralista Diego Rivera.

Se ha hecho icónica en el festejo del Día de Muertos con vestimenta muy elegante que la distingue. 

El sombrero:

Ha sido interpretada con amapolas que es la flor que tiene el poder de adormecer al pueblo. Los diferentes colores de las amapolas representan los 13 colores del maíz teotihuacano que dieron lugar a la creación de la humanidad. 

Las plumas de avestruz importadas del Viejo Continente nos recuerdan la conquista de México y además nos remontan al mundo prehispánico donde las plumas representaban la nobleza indígena.

El vestido:

Usado en los sepelios de antaño, es blanco  con una franja transversal negra, calza botas  jaliscienses  con agujetas de la época.

La Catrina Mexicana  posee un vestuario completo para cada ocasión, además de lucir los trajes regionales de Veracruz, Michoacán, Yucatán, Oaxaca, Chiapas, Tehuantepec y Puebla.

El abanico: corresponde a una herencia hispana que representa la grandeza del hombre, algunos abanicos llevan plumas y eran pintados a mano.

La estola:

La estola representa la figura de Quetzalcóatl o “Serpiente emplumada” que es imagen de reptil y ave, de la dualidad, de la vida y la muerte. Hace también referencia al personaje mítico de Quetzalcóatl que era héroe civilizador, rey, sacerdote y deidad.

El cinturón con hebilla dorada: 

Como muestra de su aprecio a las culturas prehispánicas, este símbolo es tomado del Códice Borbónico nombrado Nahui-Hollín y aparece también en algunas versiones del calendario azteca.

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