La Catrina Garbancera fue creada originalmente por el caricaturista mexicano José Guadalupe Posada en el año de 1910 y surgió como una burla a los indígenas vendedores de garbanzo, que siendo pobres aparentaban ser ricos y menospreciaban sus orígenes y costumbres.

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Esta ilustración apareció por primera vez en una hoja volante, donde se daban las noticias del día. Su vestimenta era característica por el sombrero estilo francés que utilizaban, Posada afirmaba: “En los huesos, pero con sombrero francés con plumas de avestruz”. 

Con el tiempo la Catrina Garbancera logró influenciar a diversos artistas como Diego Rivera, quien en el año 1947 le dio una vestimenta elegante y completa en su obra “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”.

Por esta obra, fue rebautizada como “Catrina”. En la pintura se observan temas de la Historia de México, como la Conquista, Independencia y Revolución. En la imagen central del mural se encuentra Diego Rivera de niño y José Guadalupe Posada siendo tomados por la Catrina.

Hoy en día, la Catrina forma parte de la cultura popular de México adornada con hermosos sombreros y flores, se ha convertido en el símbolo de la celebración del Día de Muertos y una fuente de inspiración para muchos, tanto dentro como fuera de México.

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Le Corbusier

Fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, urbanista, pintor, escultor y hombre de letras suizo nacionalizado francés en 1930. Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior.

El 15 de marzo de 2016, parte de la «Obra arquitectónica de Le Corbusier – Contribución excepcional al Movimiento Moderno» fue inscrito como Patrimonio de la Humanidad, en la categoría de bien cultural un amplio conjunto transnacional —en siete países: Alemania, Argentina, Bélgica, Francia, India, Japón y Suiza— que comporta la protección de 17 sitios individuales (algunos con varios inmuebles).

Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento. Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra.

Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Esta actitud le permitió contribuir de una forma significativa a la historia de la arquitectura.

Hoy en día la obra y el razonamiento espacial de Le Corbusier siguen vigentes tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y a diferentes enfoques regionalistas.

Estas son las obras más importantes de Le Corbusier:

Obtén más información de Le Corbusier en AD magazine.

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Louis Le Vau

Louis Le Vau (París, 1612 – París, 11 de octubre de 1670).

Fue un destacado arquitecto francés, uno de los más importantes del estilo barroco. Louis Le Vau fue uno de los creadores del clasicismo francés (el llamado estilo Luis XIV) y que él supo combinar de manera impresionante con el barroco. Creó un estilo que destacó por la simplicidad de las construcciones y la elegancia de las decoraciones. Su obra más importante fue el palacio de Vaux-le-Vicomte.

Principales obras:

• Palacio Lambert (1642), con la galerie d’Hercule y le cabinet de l’Amour.
• Palacio Le Vau y el Palacio Lauzun, barrio de Anjou, en París (en la Isla de San Luis).
• Palacio de Vaux-le-Vicomte (1658-1661).
• Reforma del Palacio de Vincennes, encargo del Cardenal Mazarino (construcción del ala del Rey (1561) y del ala de la Reina-madre (1658), del cual sólo quedan, en la actualidad, las ocho torres y el torreón.
• Una parte del Palacio de Versalles (1661 hasta su fallecimiento en 1670): diseñó las ampliaciones del palacio. El Palacio de Versalles es un estandarte por su magnífico esplendor (Luis Le Vau “Catholic Enciclopedia”).
• Instituto de Francia (1662-1688) (Colegio de las Cuatro Naciones).
• Una parte de la iglesia de San Sulpicio, en París.
• Embellecimiento del palacio de las Tullerías, en 1664.
• Ampliación y reformas del palacio del Louvre: se le deben la mitad de las fachadas del patio cuadrado, es decir, la extensión del ala meridional de Pierre Lescot (lado del Sena), toda la fachada oriental con la excepción de la columnata exterior diseñada por el arquitecto Claude Perrault y el regreso de la fachada norte hasta la mitad del pabellón central.
• Restauración entre 1653 y 1657 de las fachadas del château de Saint-Fargeau para la prima hermana de Luis XIV, Anne Marie Louise d’Orléans de Montpensier, hija de Gaston d’Orléans (hermano de Louis XIII), apodada la Grande Mademoiselle.
• Château de Villacerf (Aube), entre 1654 y 1662, para Louis Hesselin, intendente des plaisirs del rey.
• Château du Raincy, entre 1643 y 1650, para Jacques Bordier, Intendente de finanzas del rey Luis XIII.

Fuente: Wikipedia

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La entrada Fallece el Arquitecto Francés Louis Le Vau se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Carlos Reygadas Castillo (Ciudad de México, 1971) es un director de cine mexicano, galardonado con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2007 y Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes 2012.

Comenzó a hacer cortometrajes en Bélgica en 1998. En 2000, Reygadas fundó su productora NoDream Cinema y reunió a un equipo de debutantes en largometraje y filmó su ópera prima, Japón. La película fue financiada por el Hubert Bals Fund y presentada en el Festival Internacional de Cine de Róterdam en 2002. Ahí mismo fue invitada a la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, donde recibió una Mención Especial de la Cámara de Oro.​

Batalla en el cielo fue su segundo largometraje. Se trata de una coproducción mexicana-francobelga con Mantarraya Producciones, The Coproduction Office y NoDream Cinema. Se estrenó en la Selección Oficial en Competencia en el Festival de Cannes de 2005 y recibió el Premio del Jurado en el Festival de Lima del mismo año.​

Su tercer largometraje, Luz silenciosa (Stellet Licht), se hizo acreedor al Premio del Jurado en la edición del 2007 del Festival de Cannes, en el Festival de Lima y en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, y se estrenó en México el 12 de octubre del mismo año.​

Su cuarta película, Post Tenebras Lux, lo hizo acreedor al Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes 2012.

En 2016 la editorial mexicana anDante publicó Luz, un libro de arte que recopila los storyboards íntegros de sus cuatro largometrajes, una selección de los guiones de rodaje, con apuntes y notas manuscritas, un texto del autor y ensayos de artistas de diversas disciplinas que discurren en torno al cine de Reygadas: un arquitecto, Alberto Kalach; un fotógrafo, Roberto Salbitani; un poeta, Alberto Blanco; un cineasta, Nuri Bilge Ceylan.

Su quinto largometraje, Nuestro tiempo que llevó el título temporal de “Donde nace la vida”, se estrenó en 2018. La cinta lleva una narrativa regular, a diferencia de su última película. En esta cinta Reygadas debuta como protagonista, su esposa, familiares y amigos también tienen un papel en la historia.

Conoce más de Reygadas.

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La entrada Nace el cineasta mexicano Carlos Reygadas se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Nació el 9 de octubre de 1964 en Guadalajara (México).

Es un director, guionista, productor y novelista mexicano, galardonado con el Premio Goya y varias veces con el Premio Ariel. Es acreedor del Globo de Oro y el premio Óscar como Mejor director y Mejor película por La forma del agua en la 90.ª edición de los premios de la Academia.

Comenzó a filmar en México desde adolescente, cuando estaba en el Instituto de Ciencias, en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. Pasó diez años en diseño de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el productor ejecutivo de su primer filme, a los 21 años. Fue cofundador del Festival de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang.

Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen dictatorial del general Francisco Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños) y temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un régimen fascista o dictatorial).

Se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Su estilo está marcado por su gusto por la biología y por la escuela de arte simbolista, su fascinación por el mundo fantástico desde el punto de vista de los cuentos de hadas y su gusto por los temas oscuros. Sus trabajos incluyen frecuentemente monstruos o seres fantásticos. Del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica… los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». También tiene una lista de otras cosas que le fascinan y que se han convertido en piezas habituales de sus películas: «tengo una especie de fetichismo por los insectos, la relojería, la maquinaria y los engranajes, monstruos, lugares oscuros, cosas sin nacer…»

Su largometraje debut fue “Cronos” (1993), una película mexicana sobre vampiros protagonizada por Federico Luppi y Ron Perlman.
Este último se convirtió en un actor recurrente en muchos de sus proyectos.

Antes de “El Laberinto Del Fauno”, Del Toro retomó las películas de vampiros al dirigir “Blade II” (2002) y realizó “Hellboy” (2004) película basada en el cómic de Mike Mignola.

Además de su trabajo como director, ha producido proyectos de otros directores, entre los cuales están están las películas “El Orfanato”, “El libro de la vida”, “La delgada línea amarilla” y la serie animada “Trollhunters”.

Volvió a la dirección con la película de acción y ciencia-ficción “Pacific Rim” (2013) y más tarde estrenó “La Cumbre de Escarlata” (2015).

“La Forma del Agua” (2017), su película más reciente, obtuvo más de 90 reconocimientos en todo el mundo, incluyendo un Globo de Oro y dos Premios Oscar.

Conoce más de la biografía de Guillermo del Toro.

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La entrada Nace Guillermo del Toro se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

El retablo de la Independencia de México, es un fresco sobre muro directo del pintor y arquitecto mexicano Juan O’Gorman, pintado del año 1960 al 1961.

En 1957, el entonces director del Museo Nacional de Historia, Antonio Arriaga, pensó que una forma eficaz de difundir la historia de México, era a través del muralismo y decidió comenzar un proyecto que reflejara la historia de la Independencia mexicana. La idea de realizar esta pintura de grandes dimensiones, se debe a la carencia de documentos y obras relativas a la época de la Independencia, ya que los insurgentes fueron muy perseguidos y lo caótico de la situación causó la pérdida de muchos elementos históricos.

La responsabilidad del mural recayó sobre Diego Rivera, quien diseñó el lugar donde se pintaría. Auxiliado por su hija Ruth, el maestro se dedicó a recopilar retratos y dibujos de los personajes que representaría en el mural. Por desgracia, el artista enfermó y murió antes de arrancar la labor pictórica.

Juan O’Gorman retomó el proyecto y rehízo la investigación iconográfica desde su propia iniciativa. El mural abarca temas históricos de 1784 a 1814 y está dividido en cuatro diferentes etapas de la lucha por la Independencia.

En una época donde los medios de comunicación superaron las formas narrativas de la pintura mural, debían incorporarse dentro de la pintura, elementos fáciles de identificar. En una superficie cóncava, O’Gorman realizó una secuencia descriptiva que va de izquierda a derecha. Desde una perspectiva paisajística, se marca el ambiente de cada época: las montañas, los campos, la Alhóndiga de Granaditas, otras construcciones de Guanajuato y las playas de Guerrero. Al centro, aparece la figura de Hidalgo, aludiendo al Grito de Dolores con el estandarte de la Virgen de Guadalupe, adoptada como patrona del Ejército Insurgente.

En palabras del pintor, el extremo izquierdo del muro representa el periodo colonial, previo a la insurrección independentista. Muestra las contrastantes condiciones de vida entre el pueblo y sus gobernantes, representa también la decadencia total de los peninsulares y de las clases acomodadas, así como la explotación del pueblo que vivía en la miseria, situación que predominaba a finales del siglo XVIII. También aparecen los personajes que contribuyeron ideológicamente a la gesta independentista y destacan los rostros de cada uno de los protagonistas. En esta sección aparecen bajo la bandera española tres figuras importantes de la clase dirigente: el escritor y político Lucas Alamán, el general Félix María Calleja y el obispo Manuel Abad y Queipo; junto a ellos puede observarse un grupo de aristócratas ibéricos con dos personajes reconocibles: el conde de Moctezuma y el virrey de Iturrigaray, llamado Virrey Bandido por los insurgentes. Leona Vicario, , Matamoros, Galeana y los congresistas de Apatzingán también están presentes. O’Gorman quiso enfatizar la presencia de fray Servando Teresa de Mier y de Alejandro Von Humboldt.

En la parte superior de esta misma sección se observa una hacienda de beneficio que representa el sustento económico del país, la agricultura y la minería. Junto a la hacienda está pintado un pequeño pueblo, asiento de una desamparada población trabajadora. El hombre montado sobre un caballo blanco es un capataz, es decir, la persona que se dedicaba a vigilar y maltratar a los indígenas, y a quien el autor pinta con cara de demente pues considera que sólo un enfermo podía cumplir con ese encargo. Detrás de él, en los patios de una hacienda, unos peones trituran el metal extraído de las minas. Esta primera sección ilustra, a grandes rasgos, algunos aspectos del México de finales de la Colonia.

La segunda etapa de la narración histórica de este mural incluye a algunos precursores ideológicos y políticos situados bajo un edificio de construcción neoclásica que simboliza la Revolución Francesa y el Enciclopedismo. Ahí se representa la cultura y el avance científico y filosófico de la época. Esta construcción se ve coronada por algunas torres y cúpulas de iglesias; de esta manera se ilustra el doble carácter ideológico de estos pensadores: por un lado, hombres de ciencia e ilustrados y, por el otro, cristianos, algunos de ellos sacerdotes. La religión católica desempeñó un papel muy importante en la guerra de Independencia como vínculo fundamental entre el pueblo mexicano; esto explica el hecho de que muchos de los dirigentes de esta lucha hayan sido sacerdotes.

Las figuras que sobresalen en esta sección son algunos escritores de la época, algunos científicos naturalistas y un amplio grupo de sacerdotes liberales; aparece también el licenciado Francisco Primo de Verdad, alcalde de la ciudad, vestido con una casaca azul, que muestra con sus manos las condiciones de miseria del pueblo; también puede verse al señor Ramón Arizpe, quien está vestido como impresor y lleva unos lentes en la frente; él estuvo encargado de imprimir la propaganda insurgente en sus inicios. El edificio ubicado en el costado derecho de la gran construcción neoclásica es la Alhóndiga de Granaditas y, justo atrás, se observa el pueblo de Guanajuato y la iglesia de Dolores Hidalgo, donde fungía como párroco el exrector de la Universidad de Valladolid, don Miguel Hidalgo y Costilla. Esta sección ilustra de manera general los lugares, los personajes y los pensamientos que anteceden y sustentaron la guerra de Independencia.

La tercera etapa está referida al movimiento propiamente dicho. La figura principal en esta área es el cura Hidalgo, el cual aparece dos veces: una como se le conoce comúnmente y la otra más joven y en traje de campaña, portando el estandarte de la Virgen de Guadalupe. El Hidalgo que lleva en su mano la antorcha como símbolo de libertad, también sostiene el decreto de Guadalajara, importante documento en el que este luchador proponía la abolición de la esclavitud y el reparto justo de la tierra. Aparecen también varios de los personajes que tomaron parte activa en la guerra de Independencia, mezclados con el pueblo mexicano, que se representa con figuras que abarcan todos los tipos y castas existentes entonces. Así se da a entender que fue todo el pueblo quien participó contra la opresión española.

O’ Gorman declaró a la Revista Tiempo lo siguiente:

Representé a Hidalgo abriendo las puertas de la Independencia para México, inspirándome en la magnífica historia sobre la Independencia de Lucas Alamán. Hay dos Hidalgos con las manos cruzadas porque hay dos aspectos importantes del padre de nuestra Patria. El primero es el que conoce todo el pueblo: el sacerdote de pelo cano, con la casaca negra. El segundo, el Zorro, el intelectual, culto, humanista, revolucionario, conocedor de las teorías de Baboeuf y Diderot. El cúmulo de personajes dan la impresión de ir a la feria y no a la guerra. Esto significa para México su independencia.

En esta sección aparecen algunas banderas de la época: la de Aculco, que está pintada dos veces para mostrar el anverso y el reverso; el Doliente de Hidalgo, y un estandarte con la Virgen de Guadalupe en señal de adopción como patrona del Ejército Insurgente, que jugó un papel muy importante como aglutinador de intereses comunes.

En el mural también se observan escenas cristológicas: la crucifixión de un desposeído o un hombre atado a una columna y pueden leerse frases religiosas. Vemos al indígena, con todo el drama de su explotación, representado por O’Gorman como un vía crucis que inicia con la agonía del hombre en la columna y continúa mostrando la miseria y la tristeza del pueblo que entierra al hijo que no puede crecer, en presencia de una mujer que de niña pasa a anciana sin haber vivido su juventud, y culmina con el hombre crucificado por la explotación, la injusticia y la represión.

El desenlace del mural está representado por el Congreso de Chilpancingo, donde figura José María Morelos con el documento Sentimientos de la Nación. Morelos está retratado ahí dos veces: una en traje de campaña, semejante a la vestimenta de los chinacos y otra vestido como general; la única vez que vistió así fue para asistir al Congreso Constituyente. En esta sección aparecen algunos de los personajes más distinguidos, tanto política como militarmente, de esa fase del movimiento; entre ellos Guadalupe Victoria, primer presidente de la República independiente. Los congresistas constituyentes se encuentran sentados; sólo tres son retratos fieles, el resto son invenciones del autor a causa de la inexistencia de material iconográfico. Estas figuras portan extractos del manifiesto de Morelos, Sentimientos de la Nación.

Al fondo, se ve un pueblo en llamas que ejemplifica una de las múltiples batallas que tuvieron lugar en el país. Hasta el fondo se observa el puerto de Acapulco con el Fuerte de San Diego, un sitio estratégico en su momento. El pendón de la derecha tiene una leyenda que dice: Con los ojos y las garras se llega a la victoria. Debajo de éste se observa montado a caballo a Vicente Guerrero, consumador de la Independencia. El paisaje pretende abarcar todas las zonas del país y los tipos geográficos, desde las altas cordilleras hasta las costas, para señalar que la lucha de independencia se generalizó a todo el territorio. Finalmente, la luna del costado izquierdo y el día que nace en el derecho dan la idea de que el mural abarca un día simbólico en el que México pasó de la oscuridad de la dominación española a la luz de su autonomía.

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La entrada El mural Retablo de la Independencia de México se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Pedro Linares López fue un artista mexicano nacido en la Ciudad de México que comenzó como un experto en fabricar judas de cartón y otras figuritas para Diego Rivera, Frida Kahlo y muchos otros artistas de la Academia de San Carlos. 

A la edad 30 años Linares enfermó y mientras estaba en cama inconsciente, soñó un lugar extraño parecido a un bosque, donde las rocas, nubes y animales se habían convirtieron en algo extraño, una especie de animal, pero desconocido. 

Vio un burro con alas, un gallo con cuernos de toro, un león con cabeza de perro y todos ellos estaban gritando una sola palabra, «Alebrijes», y así, Pedro dio vida a su visión y con ello nació el arte de los alebrijes. 

En poco tiempo fue conocido como uno de los mejores artesanos de México. Los alebrijes son muy apreciados nacional e internacionalmente y se trata de artesanías fabricadas con la técnica de la cartonería, que se pintan con colores mayormente alegres y vibrantes. 

La cartonería, es una técnica utilizada en México para la elaboración de piñata que consiste en el modelado del papel con cartón. En la técnica empleada para los alebrijes se usa una estructura de alambre o de carrizo sobre la que se procede al con papel y cartón; y por último, se realiza el acabado con diversas técnicas de pintura.

Pedro Linares recibió en 1990 el Premio Nacional de Ciencias y Artes en la categoría Artes y Tradiciones Populares, la más alta condecoración para artesanos otorgada por el gobierno mexicano. Dos años después de recibir este premio, murió a la edad de 86 años.

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La entrada El Alebrije fue creado por el artista mexicano Pedro Linares en 1936 se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Willy Ronis

Willy Ronis (París, 1910-2009). Fue una figura clave de la fotografía del siglo XX, transmitió la realidad poética de la Francia de posguerra en icónicas imágenes en blanco y negro, muchas de las cuales han dado la vuelta al mundo.

El padre de Ronis era un refugiado judío en Odesa, que abrió un estudio de fotografía en Montmartre y su madre era una refugiada de Lituania que impartía clases de piano. La primera inquietud de Ronis se encaminó hacia la música, soñando con ser compositor. Pero al volver del servicio militar en 1932, sus clases de violín tuvieron que pararse porque su padre padecía un cáncer que hizo que Willy Ronis tuviera que hacerse cargo del negocio familiar.

El convencionalismo de los retratos posados no le interesaba y soñaba ya con reportajes, con el bullicio de las calles, de la vida, con esa otra fotografía a la que tenía acceso gracias a las exposiciones internacionales organizadas por la Société Française de Photographie. Conoció las obras de los fotógrafos Alfred Stieglitz y Ansel Adams, que le entusiasmaron y le impulsaron a explorar el mundo de la fotografía.

En 1936 liquidó el estudio y muy pronto empezó a hacer fotografías que consiguió vender a algunas de las publicaciones más importantes de la época. Ronis se convirtió en el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista Life.

Junto a Henri Cartier-Bresson, Izis, Robert Doisneau y Brassaï, dio origen al movimiento de los fotógrafos humanistas, siempre atentos a la vida cotidiana –escenas callejeras, barrios de París, el mundo del trabajo…–, buscando transmitir una emoción, una mirada benevolente.

El fotógrafo define la escuela humanista como «la mirada del fotógrafo que ama al ser humano». Ya en 1953, el gran fotógrafo, pintor y director de la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), Edward Steichen, los reunió a todos en una muestra titulada ‘Five French Photographers’ (‘Cinco fotógrafos franceses’).

También eligió sus obras para que en 1955 formaran parte de la más ambiciosa e icónica de las exposiciones de fotografía del siglo XX: ‘The Family of Man (‘La familia del hombre’).

Willy Ronis comenzó a enseñar en los 50, y llegó a dar lecciones en la Escuela de Bellas Artes de Aviñón, Aix-en-Provence y Saint Charles, Marsella.

La Bienal de Venecia de 1957 premió al fotógrafo con la medalla de oro, en 1979 fue galardonado con el Grand Prix des Arts et Lettres por el Ministerio de Cultura francés, y el Prix Nadar. En 2005, la ciudad de París le dedicó una retrospectiva que tuvo un gran éxito y lo confirmó como uno de los más grandes fotógrafos contemporáneos.

La esposa de Ronis, Anne Marie, fue la modelo de su famosa foto de 1949, ‘Desnudo Provenzal’. La foto, mostrando a Anne Marie lavándose en un lavabo con una jarra en el suelo y una ventana abierta desde la que el espectador puede ver el jardín, denota su habilidad para transportarnos las sensaciones de la vida provenzal. Más tarde, fotografiaría a Anne Marie sufriendo el mal de Alzheimer, sentada sola en una sala del hospital. Anne Marie murió en 1991.

Willy Ronis vivió y trabajó en París donde falleció el 12 de septiembre de 2009 a los 99 años de edad.​ Había dejado la fotografía en 2001, cuando empezó a necesitar un bastón para moverse, lo que le dificultó desplazarse con la cámara. Terminó su vida redactando libros para la compañía de publicidad Taschen.

Fuente: 39 y más

La entrada Fallece el fotógrafo Willy Ronis se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Aurora Reyes Flores nació el 9 de septiembre de 1908, en la población minera de Hidalgo del Parral, Chihuahua. Fue escritora, pintora, poeta mexicana, activista social y feminista, es reconocida como la primera muralista de México.

Con el objetivo de seguir con sus estudios, en 1921 asistió a la Escuela Nacional Preparatoria donde conoció a Frida Kahlo, quién con el tiempo se convirtió en una muy buena amiga, relación que Aurora Reyes plasmó en la obra “Retrato de Frida frente al espejo” (1946) dedicada a Kahlo.

Lamentablemente Aurora no duró mucho en la Preparatoria ya que fue expulsada después de una riña con una prefecta por causas políticas, además de ser acusada de libertina y líder de una banda de ladrones. Posteriormente ingresó a la Academia de San Carlos, la cual también abandonó y completó su educación de manera autodidacta. Inició la docencia como profesora de Artes Plásticas de primaria y posteriormente ingresó a una prevocacional del IPN, ejerciendo el magisterio a lo largo de su vida.

Su activismo político y compromiso social con las causas de los pobres y oprimidos la llevaron a formar parte de los miembros fundadores de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) y de la Confederación Nacional Campesina. Así mismo la muralista destacó como dirigente sindical, promovió la creación de las primeras guarderías para los hijos de las trabajadoras del magisterio y luchó para obtener el derecho al voto femenino y ocupar puestos de elección popular. Su postura de izquierda antiimperialista comprometida con el activismo político la llevó a defender y acompañar diversas luchas sociales, incluido el apoyo a campesinos, y a los estudiantes del 68.

Aurora Reyes al tener un nacionalismo establecido, su idea de la patria, su visión de la mujer y sobre todo de la historia mexicana quedaron plasmados en sus libros de poesía como:

• Humanos paisajes (1958),
• La máscara desnuda (1969); y
• Espiral en retorno (1981)

Es de destacar que la maestra Reyes es considerada la primera muralista mexicana, fue la creadora de siete murales, uno de los más conocidos es el mural “Atentado a las Maestras Rurales”, cuyo nombre original era “La maestra asesinada”, que presenta a la maestra rural golpeada y vilipendiada por los enemigos de la patria, se encuentra ubicado en el Centro Escolar Revolución en la Colonia Doctores de la Ciudad de México.

Su obra más extensa, está en el interior del antiguo Auditorio 15 de Mayo del SNTE, son cuatro murales: “Espacio, objetivo, futuro y Presencia del maestro en los movimientos sociales de la patria, Trayectoria de la cultura de México, y Constructores de la cultura de México” donde la artista deja su visión global de la historia del país, con una gran fuerza nacionalista. Por último, está el mural “El primer encuentro” que pintó en 1978 a los 69 años de edad, en la sala de cabildos del edificio de la hoy alcaldía de Coyoacán. En él, Aurora refleja el encuentro de dos culturas, pero lo refiere a la llegada de Cortés a Coyoacán.

Aurora Reyes, como mujer de lucha, de convicciones firmes tanto en su pensamiento político y en su concepción del arte, dejo legados que no han recibido la valoración que se merece, ni en el campo literario donde su obra poética no ha sido revalorada en la literatura mexicana, ni su obra mural, la cual yace en el abandono y deterioro.

Aurora Reyes falleció el 26 de abril de 1985 en la Ciudad de México.

Fuente: CNDH

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Ana Mercedes Hoyos

Ana Mercedes Hoyos (29 de Septiembre de 1942 – Bogotá, 5 de septiembre de 2014)2​ fue una pintora y escultora colombiana. Su obra se caracterizó por la predominancia de objetos domésticos como puertas y ventanas, temas del bodegón y las palenqueras de Cartagena, la artista Bogotá se destacó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en el país y en el exterior.

Los primeros trabajos de Ana Mercedes se caracterizaron por la influencia del movimiento pop y las obras publicitarias, abordando temáticas urbanas y arquitectónicas. Su primera serie, titulada “Vallas”, es una propuesta temática que le hace guiño al mundo contemporáneo, tecnológico, industrializado, urbano, colorido en términos andinos pero muy influenciado por la Norteamérica de la segunda mitad de los sesenta.

En 1969 realizó una de sus series más importantes, titulada “Ventanas” y compuesta por pinturas de pequeño formato, cuadradas, en las que líneas verticales, horizontales y diagonales enmarcan un nebuloso paisaje abstracto. Esta primera etapa de la década de 1970 marca el giro de Ana Mercedes hacia el paisaje, con una preocupación especial por lo geométrico y por el tema del cielo. La representación arquitectónica y geométrica de esta serie dio paso, posteriormente, a la serie “Atmosferas”, compuesta por cuadros de superficies azules muy claras, tendiendo casi al blanco. Esta nueva serie le hizo merecedora del primer premio en el XXVII Salón Nacional de Artistas en el año 1978. En atmósferas, el tema del cielo, que venía trabajando desde las “Ventanas”, se consolida y se hace cada vez más abstracto, hasta convertirse en un asunto cromático y no representativo.

A partir de 1980, la obra de Ana Mercedes Hoyos se torna más figurativa con la serie “Paisajes”, en la que aborda temas geográficos y la serie “Girasoles” en la que se concentra en el estudio de las naturalezas muertas. En 1987 realizó una nueva serie de obras figurativas con motivos nacionales titulada “Bodegones de Palenque”, que se inspira en los platones de las vendedoras de frutas de Cartagena a partir de una colección de fotografías tomadas por la artista. En sus últimos años, cuando ya contaba con un fuerte prestigio internacional, decidió incursionar en la escultura con cabezas de palenqueras de grandes dimensiones, hechas en bronce y con lazos en distintos colores.

La artista realizó un gran número de exposiciones individuales y colectivas, entre las que se destacan la del Museo de Arte Moderno de Bogotá en 1976 y la del Centro Colombo Americano de Bogotá en 1980. Fue galardonada con el segundo lugar en la Bienal de Pintura Joven del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, el primer premio en la exposición Espacios ambientales, el premio Ciudad de Caracas en el XX Salón de Artistas Nacionales y el primer lugar en el XXVII Salón Nacional de Artes Visuales, entre otros.

En el año 2000, la Universidad de Antioquia le otorgó el título Honoris Causa de Maestra en Artes Plásticas. En el año 2014, pocos meses después de una exposición retrospectiva sobre su obra en la galería Nueve Ochenta, Ana Mercedes Hoyos falleció en la ciudad de Bogotá.

Fuente: enciclopedia.banrepcultural.org

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La entrada Fallece Ana Mercedes Hoyos, pintora y escultora colombiana se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.