La creatividad es la capacidad de crear nuevas ideas o conceptos, de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales. La creatividad es sinónimo del “pensamiento original”, la “imaginación constructiva”, el “pensamiento divergente” o el “pensamiento creativo”.

Es un proceso dinámico, es una fuerza viva y cambiante del ser humano; es decir, es el motor del desarrollo personal y ha sido la base del progreso de toda cultura. Por lo que es normal que la creatividad tenga sus altas y bajas, ya que esta depende de varios factores.

En algunos trabajos o profesiones se requiere que las personas se mantengan constantemente creativas pero, ¿qué pasa cuando por más que nos esforcemos se nos viene la creatividad a la mente?

Esta situación se considera como “bloqueo creativo” y puede darse en varios periodos. Comprende desde una hora, días, semanas o hasta más tiempo. Sin embargo, no siempre podemos poner pausa la tarea que requiere de nuestra creatividad.

Incluso las mentes más experimentadas han sido en algún momento víctimas del bloqueo creativo como por ejemplo, Georgia O’Keeffe, quien la presión laboral y el miedo al fracaso hicieron que una de las representantes más influyentes del modernismo estadounidense, sufriera bloqueo creativo. Otro ejemplo fue Pablo Picasso, quien durante unos años, se alejó de la pintura porque no se sentía tan realizado. Por lo que se dedicó a la poesía. Pero si ellos lo han superado, tú también lo harás. Lo más importante es reconocer esa sensación para empezar a actuar.

Según los creativos, estás son algunas de las prácticas que realizan escritores, pintores, diseñadores y emprendedores, perfiles que emplean la creatividad día tras día.

• Haz algo diferente por un tiempo: Cada vez que te encuentres atrapado, haz exactamente lo opuesto a lo que harías normalmente y encuentra nuevas formas de ver un tema.
• Deja el pánico: Intenta tener un segundo para pensar lo que estás haciendo. Toma un poco de aire fresco y respira profundamente sin preocuparte por la fecha límite.
• Haz un mapa mental: Comienza a crear un mapa mental simple en el que puedas empezar a ordenar tus ideas. Apunta tus pensamientos e ideas a través de bocetos usando colores para diferenciar las categorías.
• Deja de ser un ser racional: el bloqueo se alimenta de la racionalización, para que esto no suceda, se hace necesario aplicar ʽlos 5 porquésʼ esta es una técnica creada por el empresario japonés, Sakichi Toyoda, la cual consiste en partir de un problema en específico y a medida del tiempo ir descubriendo a través de porqués sucesivos hasta llegar a la raíz del problema. Es decir, debes hacerte preguntas e ir descubriendo poco a poco el porqué de las trabas encontradas.
• Busca la inspiración en otras personas: busca un conglomerado de personas y estudia lo que hacen, esto es una buena táctica para buscar la inspiración y la creatividad, esto te puede llevar al uso de las redes sociales, son una fuente de inspiración a la que se le puede sacar mucho provecho.
• Habla en voz alta: la mejor manera de superar el bloqueo es salir del espacio habitual, se recomienda realizar otra cosa, tal cual un ejemplo, sal a caminar para despejar la mente, habla en voz alta contigo mismo, eso puede abrir tu mente a nuevas ideas.
• Céntrate en ti mismo: Haz algo que realmente disfrutes. Cocinar, salir a bailar, ir al gimnasio, ver una película en el cine. Lo que más te guste. Poner una sonrisa en tu cara es a veces el primer paso para llegar a tu idea.
• No seas perfeccionista: Como dijo una vez Salvador Dalí: “No temas a la perfección, nunca la alcanzarás”. Toma un lápiz y un cuaderno y comienza a hacer garabatos, bocetar o escribir ideas. Más adelante, probablemente descubrirás que los errores en realidad te ayudan a encontrar nuevos caminos creativos.

Todos podemos ser creativos, nos demos cuenta o no. Porque todos poseemos esta cualidad, solo es cuestión de cómo la entendemos porque como dijo Albert Einstein es “la creatividad es la inteligencia divirtiéndose”. Y probablemente en algún momento de nuestras vidas pasamos por un bloqueo creativo una o varias veces, pero siempre estará ahí solo es cuestión de como dice Pablo Picasso “que cuando la creatividad llegue, me encuentre trabajando”.

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La entrada Tips para eliminar el bloqueo creativo se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Es una fiesta tradicional de origen prehispánico en honor a los difuntos, el origen de la palabra Xantolo catalogada por la Organización de las Naciones Unidas Para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) proviene del vocablo en latín “Festum Onimium Sanctorum” que quiere decir “Fiesta de todos los Santos introducida al náhuatl.

La celebración tiene más de 3,000 años de tradición y se considera una de las más singulares y raras de todo México pues incluye el culto de las deidades prehispánicas y de las impuestas a los indígenas por los españoles, además, de que se hace presente la hospitalidad de los pueblos que la celebran donde algunos inician desde el 31 de octubre para finalizar el 2 de noviembre. 

Las regiones de la Huasteca de donde se origina el Xantolo son: Hidalgo, Veracruz, Tamaulipas, San Luis Potosí y Querétaro. Cada municipio de la Huasteca tiene su particular forma de celebrarlo la mayoría de ellos cumple con la exposición de altares en sus casas y lugares de concentración pública, desfiles de catrinas, recorridos de tumbas, velaciones en panteones sin faltar las muestras artesanales y gastronómicas.

El día 1 de noviembre, es destinado a los niños fallecidos y por ende en las ofrendas colocan comidas y objetos que atraen las almas pequeñas. El día 2 es de los difuntos mayores llenado el altar de colores y sabores se comienzan los preparativos de este festejo meses antes con la cosecha de la tradicional flor de cempasúchil que significa la vida y la muerte mismos que representan el universo compuesto de 13 cielos.

En Hidalgo, su principal característica es el baile de los comanches, su significado estriba en los 3 personajes que participan en ella representando la vida y la muerte, además se acostumbra a ofrecer comida de la ofrenda a gente que está de visita en alguna casa. 

Se tiene la creencia de que el cuerpo de esa persona será tomado por el alma del difunto para recibir sus alimentos.

El Xantolo en Veracruz se distingue por las cuadrillas, compuestas por el vaquero representando al hombre y su fuerza, la mujer embarazada que representa la tierra fecundada, el diablo que representa el fuego del ser humano y la muerte quien es la representación del fin de la vida.

En el 2007 Tempoal fue declarado como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. 

En Tamaulipas su origen se remonta a la época prehispánica, los Chichimecas quienes tenían la costumbre de hacer sacrificios humanos, actualmente en Tamaulipas y San Luis Potosí se acostumbra a levantar en todos los hogares un altar y el 2 de noviembre por la mañana se lleva la ofrenda al cementerio, se adornan las tumbas de los difuntos, comen y conviven en el cementerio con las anima de los familiares.

El día de muertos  en Querétaro inicia con la tradicional feria donde venden juguetes hermosos de cartón y madera, calaveritas de azúcar y platillos típicos, las influencias Chichimecas y Otomíes  se presentan en la forma de los tradicionales altares de muertos dedicados a las almas pasajeras de nuestros ancestros y héroes nacionales.

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La entrada Xantolo o Celebración del Día de Muertos se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

En la lengua náhuatl, Cempasúchil significa flor de veinte pétalos. Es una flor que crece en otoño, muy cerca de la fecha del Día de Muertos, que se celebra el 1 de noviembre de cada año.

La tradición de decorar las tumbas y ofrendas con esta flor surgió en la época prehispánica y cuenta la leyenda que sus pétalos amarillos guían a los muertos durante su visita al mundo de los vivos, ya que se dice que contienen el color y el aroma a fuego del sol.

Relata la historia de amor entre una pareja de jóvenes aztecas, Xóchitl y Huitzilin. Ambos eran niños apenas cuando el romance entre ellos comenzó a surgir, mientras jugaban felices en los alrededores de su pueblo.

Todas las tardes, los jóvenes enamorados subían a la cima de una montaña a regalarle flores a Tonatiuh, el dios del sol. La deidad les sonreía a la pareja por la ofrenda, asimismo, Xóchitl y Huitzilin se juraron amor eterno, sobrepasando incluso las barreras de la vida.

La guerra llegó al pueblo y Huitzilin tuvo que ir a luchar. Tras poco tiempo después, se le confirmó a su amada Xóchitl el fallecimiento de su pareja, lo cual dejó a la joven con un profundo dolor.

Xóchitl fue a la cima de la montaña por última vez para rogarle a Tonatiuh, que la uniera para siempre con su pareja. Conmovido, Tonatiuh lanzó un rayo y al tocar a la joven desconsolada la convirtió en una flor amarilla como el sol.

En esa flor, se reposó un colibrí en el centro. La pequeña ave era Huitzilin, y apenas él llegó, la flor se abrió en veinte pétalos. El encanto de Tonatiuh mantuvo la unión de Xóchitl y Huitzilin para toda la vida, mientras sigan existiendo los colibríes y las flores de cempasúchil.

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La entrada Leyenda de la Flor de Cempasúchil, la flor de los muertos se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Según las creencias de la cultura prehispánica las mariposas monarca son el espíritu del bosque y el alma de los muertos. Las mariposas monarca anuncian el arribo de las almas de los muertos al mundo de los vivos.

Mexicas, mixtecas, teotihuacanos, toltecas y zapotecas  rendían admiración con el paso de las colonias de insectos a su zona de hibernación. 

Los aztecas la llamaban Quetzalpapalotl o mariposa sagrada y la asociaban con Xochiquetzal (flor preciosa), diosa de la belleza, el amor y las flores. Los purépechas la llamaron Kolombrini parakata y los otomí tümü.

Según la leyenda, los muertos viajan en las alas de las mariposas y es así como llegan hasta los altares de sus familiares.

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La entrada Mariposa Monarca, el alma de los muertos se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

El retablo de la Independencia de México, es un fresco sobre muro directo del pintor y arquitecto mexicano Juan O’Gorman, pintado del año 1960 al 1961.

En 1957, el entonces director del Museo Nacional de Historia, Antonio Arriaga, pensó que una forma eficaz de difundir la historia de México, era a través del muralismo y decidió comenzar un proyecto que reflejara la historia de la Independencia mexicana. La idea de realizar esta pintura de grandes dimensiones, se debe a la carencia de documentos y obras relativas a la época de la Independencia, ya que los insurgentes fueron muy perseguidos y lo caótico de la situación causó la pérdida de muchos elementos históricos.

La responsabilidad del mural recayó sobre Diego Rivera, quien diseñó el lugar donde se pintaría. Auxiliado por su hija Ruth, el maestro se dedicó a recopilar retratos y dibujos de los personajes que representaría en el mural. Por desgracia, el artista enfermó y murió antes de arrancar la labor pictórica.

Juan O’Gorman retomó el proyecto y rehízo la investigación iconográfica desde su propia iniciativa. El mural abarca temas históricos de 1784 a 1814 y está dividido en cuatro diferentes etapas de la lucha por la Independencia.

En una época donde los medios de comunicación superaron las formas narrativas de la pintura mural, debían incorporarse dentro de la pintura, elementos fáciles de identificar. En una superficie cóncava, O’Gorman realizó una secuencia descriptiva que va de izquierda a derecha. Desde una perspectiva paisajística, se marca el ambiente de cada época: las montañas, los campos, la Alhóndiga de Granaditas, otras construcciones de Guanajuato y las playas de Guerrero. Al centro, aparece la figura de Hidalgo, aludiendo al Grito de Dolores con el estandarte de la Virgen de Guadalupe, adoptada como patrona del Ejército Insurgente.

En palabras del pintor, el extremo izquierdo del muro representa el periodo colonial, previo a la insurrección independentista. Muestra las contrastantes condiciones de vida entre el pueblo y sus gobernantes, representa también la decadencia total de los peninsulares y de las clases acomodadas, así como la explotación del pueblo que vivía en la miseria, situación que predominaba a finales del siglo XVIII. También aparecen los personajes que contribuyeron ideológicamente a la gesta independentista y destacan los rostros de cada uno de los protagonistas. En esta sección aparecen bajo la bandera española tres figuras importantes de la clase dirigente: el escritor y político Lucas Alamán, el general Félix María Calleja y el obispo Manuel Abad y Queipo; junto a ellos puede observarse un grupo de aristócratas ibéricos con dos personajes reconocibles: el conde de Moctezuma y el virrey de Iturrigaray, llamado Virrey Bandido por los insurgentes. Leona Vicario, , Matamoros, Galeana y los congresistas de Apatzingán también están presentes. O’Gorman quiso enfatizar la presencia de fray Servando Teresa de Mier y de Alejandro Von Humboldt.

En la parte superior de esta misma sección se observa una hacienda de beneficio que representa el sustento económico del país, la agricultura y la minería. Junto a la hacienda está pintado un pequeño pueblo, asiento de una desamparada población trabajadora. El hombre montado sobre un caballo blanco es un capataz, es decir, la persona que se dedicaba a vigilar y maltratar a los indígenas, y a quien el autor pinta con cara de demente pues considera que sólo un enfermo podía cumplir con ese encargo. Detrás de él, en los patios de una hacienda, unos peones trituran el metal extraído de las minas. Esta primera sección ilustra, a grandes rasgos, algunos aspectos del México de finales de la Colonia.

La segunda etapa de la narración histórica de este mural incluye a algunos precursores ideológicos y políticos situados bajo un edificio de construcción neoclásica que simboliza la Revolución Francesa y el Enciclopedismo. Ahí se representa la cultura y el avance científico y filosófico de la época. Esta construcción se ve coronada por algunas torres y cúpulas de iglesias; de esta manera se ilustra el doble carácter ideológico de estos pensadores: por un lado, hombres de ciencia e ilustrados y, por el otro, cristianos, algunos de ellos sacerdotes. La religión católica desempeñó un papel muy importante en la guerra de Independencia como vínculo fundamental entre el pueblo mexicano; esto explica el hecho de que muchos de los dirigentes de esta lucha hayan sido sacerdotes.

Las figuras que sobresalen en esta sección son algunos escritores de la época, algunos científicos naturalistas y un amplio grupo de sacerdotes liberales; aparece también el licenciado Francisco Primo de Verdad, alcalde de la ciudad, vestido con una casaca azul, que muestra con sus manos las condiciones de miseria del pueblo; también puede verse al señor Ramón Arizpe, quien está vestido como impresor y lleva unos lentes en la frente; él estuvo encargado de imprimir la propaganda insurgente en sus inicios. El edificio ubicado en el costado derecho de la gran construcción neoclásica es la Alhóndiga de Granaditas y, justo atrás, se observa el pueblo de Guanajuato y la iglesia de Dolores Hidalgo, donde fungía como párroco el exrector de la Universidad de Valladolid, don Miguel Hidalgo y Costilla. Esta sección ilustra de manera general los lugares, los personajes y los pensamientos que anteceden y sustentaron la guerra de Independencia.

La tercera etapa está referida al movimiento propiamente dicho. La figura principal en esta área es el cura Hidalgo, el cual aparece dos veces: una como se le conoce comúnmente y la otra más joven y en traje de campaña, portando el estandarte de la Virgen de Guadalupe. El Hidalgo que lleva en su mano la antorcha como símbolo de libertad, también sostiene el decreto de Guadalajara, importante documento en el que este luchador proponía la abolición de la esclavitud y el reparto justo de la tierra. Aparecen también varios de los personajes que tomaron parte activa en la guerra de Independencia, mezclados con el pueblo mexicano, que se representa con figuras que abarcan todos los tipos y castas existentes entonces. Así se da a entender que fue todo el pueblo quien participó contra la opresión española.

O’ Gorman declaró a la Revista Tiempo lo siguiente:

Representé a Hidalgo abriendo las puertas de la Independencia para México, inspirándome en la magnífica historia sobre la Independencia de Lucas Alamán. Hay dos Hidalgos con las manos cruzadas porque hay dos aspectos importantes del padre de nuestra Patria. El primero es el que conoce todo el pueblo: el sacerdote de pelo cano, con la casaca negra. El segundo, el Zorro, el intelectual, culto, humanista, revolucionario, conocedor de las teorías de Baboeuf y Diderot. El cúmulo de personajes dan la impresión de ir a la feria y no a la guerra. Esto significa para México su independencia.

En esta sección aparecen algunas banderas de la época: la de Aculco, que está pintada dos veces para mostrar el anverso y el reverso; el Doliente de Hidalgo, y un estandarte con la Virgen de Guadalupe en señal de adopción como patrona del Ejército Insurgente, que jugó un papel muy importante como aglutinador de intereses comunes.

En el mural también se observan escenas cristológicas: la crucifixión de un desposeído o un hombre atado a una columna y pueden leerse frases religiosas. Vemos al indígena, con todo el drama de su explotación, representado por O’Gorman como un vía crucis que inicia con la agonía del hombre en la columna y continúa mostrando la miseria y la tristeza del pueblo que entierra al hijo que no puede crecer, en presencia de una mujer que de niña pasa a anciana sin haber vivido su juventud, y culmina con el hombre crucificado por la explotación, la injusticia y la represión.

El desenlace del mural está representado por el Congreso de Chilpancingo, donde figura José María Morelos con el documento Sentimientos de la Nación. Morelos está retratado ahí dos veces: una en traje de campaña, semejante a la vestimenta de los chinacos y otra vestido como general; la única vez que vistió así fue para asistir al Congreso Constituyente. En esta sección aparecen algunos de los personajes más distinguidos, tanto política como militarmente, de esa fase del movimiento; entre ellos Guadalupe Victoria, primer presidente de la República independiente. Los congresistas constituyentes se encuentran sentados; sólo tres son retratos fieles, el resto son invenciones del autor a causa de la inexistencia de material iconográfico. Estas figuras portan extractos del manifiesto de Morelos, Sentimientos de la Nación.

Al fondo, se ve un pueblo en llamas que ejemplifica una de las múltiples batallas que tuvieron lugar en el país. Hasta el fondo se observa el puerto de Acapulco con el Fuerte de San Diego, un sitio estratégico en su momento. El pendón de la derecha tiene una leyenda que dice: Con los ojos y las garras se llega a la victoria. Debajo de éste se observa montado a caballo a Vicente Guerrero, consumador de la Independencia. El paisaje pretende abarcar todas las zonas del país y los tipos geográficos, desde las altas cordilleras hasta las costas, para señalar que la lucha de independencia se generalizó a todo el territorio. Finalmente, la luna del costado izquierdo y el día que nace en el derecho dan la idea de que el mural abarca un día simbólico en el que México pasó de la oscuridad de la dominación española a la luz de su autonomía.

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La entrada El mural Retablo de la Independencia de México se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Pedro Linares López fue un artista mexicano nacido en la Ciudad de México que comenzó como un experto en fabricar judas de cartón y otras figuritas para Diego Rivera, Frida Kahlo y muchos otros artistas de la Academia de San Carlos. 

A la edad 30 años Linares enfermó y mientras estaba en cama inconsciente, soñó un lugar extraño parecido a un bosque, donde las rocas, nubes y animales se habían convirtieron en algo extraño, una especie de animal, pero desconocido. 

Vio un burro con alas, un gallo con cuernos de toro, un león con cabeza de perro y todos ellos estaban gritando una sola palabra, «Alebrijes», y así, Pedro dio vida a su visión y con ello nació el arte de los alebrijes. 

En poco tiempo fue conocido como uno de los mejores artesanos de México. Los alebrijes son muy apreciados nacional e internacionalmente y se trata de artesanías fabricadas con la técnica de la cartonería, que se pintan con colores mayormente alegres y vibrantes. 

La cartonería, es una técnica utilizada en México para la elaboración de piñata que consiste en el modelado del papel con cartón. En la técnica empleada para los alebrijes se usa una estructura de alambre o de carrizo sobre la que se procede al con papel y cartón; y por último, se realiza el acabado con diversas técnicas de pintura.

Pedro Linares recibió en 1990 el Premio Nacional de Ciencias y Artes en la categoría Artes y Tradiciones Populares, la más alta condecoración para artesanos otorgada por el gobierno mexicano. Dos años después de recibir este premio, murió a la edad de 86 años.

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La entrada El Alebrije fue creado por el artista mexicano Pedro Linares en 1936 se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Mercury había estudiado diseño gráfico en el Ealing College of Art en Londres, un hecho que le permitió en 1971 crear el legendario escudo que pretendía utilizar en la portada de su álbum de debut, Queen.

Lo que Mercury pretendía alcanzar era, por un lado, demostrar que Queen era la unión de dos bandas deshechas y, por el otro, incluir a ciertos personajes que representarán a cada uno de los miembros del cuarteto.

Persiguiendo estos objetivos, Freddie buscó representar en el logo de Queen el nombre de la banda; la letra ‘Q’ con una corona, a Brian May –un cangrejo por su signo zodiacal Cáncer–, Roger Taylor y John Deacon –dos leones por ser Leo– y a sí mismo –dos ninfas por Virgo–. 

Sobre todo ello, un ave fénix que simboliza el renacer de la banda a partir de sus conjuntos musicales anteriores, considerados como cenizas de oportunidades fallidas y fracasos de experiencias musicales anteriores. Como consecuencia, el ave fénix se convirtió en algo simbólico de esperanza y renovación.

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La entrada El legendario logotipo de Queen fue diseñado por el propio Freddie Mercury se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

El color de moda 2021 según Pantone fue elegido por Leatrice Eiseman.

Tonos que transmiten fuerza, esperanza y optimismo. Este 2021 los protagonistas de la paleta cromática son una gama de gris y amarillo, elegidos por Leatrice Eiseman, Directora Ejecutiva del Pantone Color Institute.

• PANTONE 17-5104 Ultimate Gray: Evoca sensaciones de solidez y fiabilidad que son eternas y que proporcionan cimientos firmes.

• PANTONE 13-0647 Illuminating: Es un amarillo brillante y alegre que genera vivacidad y efervescencia: un tono amarillo cálido imbuido de la energía del sol.

Eiseman señala que, aunque se trata de dos colores independientes, se fusionan para acompañarse mutuamente creando un ambicioso emparejamiento cromático que pretenden enviar un mensaje de fortaleza y esperaza.

“La unión de un imperecedero Ultimate Gray con el amarillo vibrante que representa el Illuminating expresa un mensaje de positividad combinada con fortaleza. Esta combinación de colores, práctica y sólida aunque al mismo tiempo cálida y optimista, nos ofrece resiliencia y esperanza. Necesitamos sentirnos animados y reconfortados; es algo esencial para el alma humana. “

Leatrice Eiseman, Directora Ejecutiva del Pantone Color Institute.

El proceso de selección del color del año conlleva un profundo estudio de tendencias hasta llegar a la selección final de los expertos de Pantone Color Institute que analizan el mercado en busca de nuevas influencias. Según explican desde el Instituto, la elección de las tendencias proviene de un estudio de las influencias relacionado con la industria del entretenimiento, películas en fase de rodaje, colecciones itinerantes de arte, nuevos artistas, moda, todas las áreas del diseño, destinos turísticos populares y nuevos estilos de vida, tendencias de juego y diversión y condiciones socioeconómicas.

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La entrada El color de moda 2021 se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

Diseñada por John Horsley Callcott, pero curiosamente fue a Sir Henry Cole a quien se le encargó por primera vez el diseño de una de ellas con fines comerciales.

Una de las tarjetas más famosas es precisamente la primera con motivos navideños, una obra de arte creada en 1843 y que ahora se exhibe en el Museo Charles Dickens de Londres. 

La imagen, diseñada por el funcionario Henry Cole e ilustrada por John Callcott Horsley, muestra a una familia reunida alrededor de una mesa disfrutando de una copa de vino con el mensaje «Una feliz Navidad y un feliz año nuevo para ti». 

Fue precisamente en ese año que el autor de Oliver Twist, entre otras obras de la literatura universal, publicó «A Christmas Carol» («Cuento de Navidad» o «Canción de Navidad»), uno de sus cuentos más aclamados, por lo que, sin saberlo, estas tres personas provocaron al mismo tiempo el nacimiento de importantes costumbres navideñas que hoy perduran y que mueven millones de personas en el mundo.

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La entrada La primera tarjeta de navidad fue diseñada en 1843 se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.

El equipo de artistas de  Marina Zurkow y Viniyata Pany crearon “Climoji” crearon un sistema de stickers sobre el cambio climático con el fin de aumentar la conciencia sobre algunos de los temas más importantes de nuestro tiempo, el calentamiento global y la destrucción del medio ambiente.

Sus creadoras quieren acercarse a Facebook para que el gigante de las redes sociales añada los stickers a su biblioteca.

Los emojis se han convertido en un lenguaje propio, de hecho si fueran un idioma serían el más popular de internet. De acuerdo a un estudio de Brandwatch el 95% de los usuarios de internet han enviado un emoji en algún momento, de hecho más de 10 mil millones de emojis se envían diariamente.

Sin embargo, actualmente sería difícil hablar sobre el cambio climático a través de emojis, pero gracias a Zurkow y Viniyata, ahora contamos una serie de iconos que representan el derretimiento de hielos marinos, osos polares famélicos, árboles secos y personas inundadas.

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La entrada Climoji: Los emojis del cambio climático se publicó primero en Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.